其实什麼是摇摆？让我们再回到古典音乐，来到华尔兹（Waltz）正盛行的维也纳，你会听见，真正的华尔兹，是跟我们用电子琴做的「碰恰恰」那卡西版本很不一样的，仔细地听听约翰史特劳斯的圆舞曲，你会发觉它的第二拍来得比较快，这是谱上记录不出来的，会这样演奏的原因，即是在於跳舞的舞步关系，淑女们都刚好在那一个瞬间转圈圈，如果你硬梆梆地照谱演奏，就带不出那种风味了，这其实也是「摇摆」的一种广义说法；又如同萧邦所擅长的马祖卡舞曲，也是从他的祖国波兰来的，演奏这些曲子的方法，就得靠老师们意会言传，这样感觉才不会走味了！在欧洲还有不少钢琴教授，会边说边跳呢！再举个例子：如果你去听现在很红的五月天十月X，全场的观众一定也会像起乩一样的摇动身躯，这些，其实都算是「摇摆」，也进而揭露出「不同的律动有不同的身体摆动法」这个事实。那麼爵士乐的基本律动是怎样的呢？你们一定看过很多画面，是听爵士乐的人会边弹指边摇头晃脑，眼睛还是闭著的一副恶心…不！悠哉样，我们以前帮费玉清做节目时，他就常常在萨克斯风演奏时故意在旁装出这种陶醉的感觉！可是，这样的动作，就把爵士乐的基本律动给带了出来，这种律动的生成，迄今已快要一百年了，所谓的爵士乐手，都必须要把「摇摆」当成一个延伸点，不管你是John Zorn也好、Uri Caine、Steve Coleman也好，只要你敢站出来说「我是一个爵士音乐家」，基本上是不太可能会说「可是我不能Swing」的！就算你通晓了所有的理论、音阶与和弦，它们也不能完全构成「爵士乐」的条件，因为在这传统之下，大家都是要学会或耳濡目染这种律动的感觉的。

好，我们现在就来实际操作一下，要摇摆，就得先玩玩「切分」，我们先不管古典音乐有多少规则来定义切分，请跟著我们打「第二拍与第四拍」，来感受一下吧！首先我们来看看「打卡」这个例子，顺便做个放松操：

One、Two、One-Two-Three-Four…我们先唱唱「哎哟喂呀」，不要愈来愈快喔！要放松（以拟声唱法Scat示范），你会发现，在我们刚刚唱的八分音符中，虽然它记谱仍是没变的，但在唱法上，是不是变成了前面较长、後面较短的感觉，有时候我们会把它定义成「类似」这样的感觉：

要切记的是，大多数的人就是忽略了那个「约等於」，直接把它等於了，就造就出现在台湾人演奏爵士乐时常会遇到的「进行曲」（如《热血滔滔》）及「日本演歌」的通病，因为Swing很容易变成跳跃式的12/8感觉，所以难怪我们的爵士乐没有那个味道！而这个「约等於」的感觉又要从哪儿来呢？让我告诉大家，那就是黏黏的「Lay Back」，这完全无法在谱上显示出来的，该怎麼说明它很难，但举些以Lay Back出名的音乐家让各位听听，如Dexter Gordon、Miles Davis、Chet Baker、Billie Holiday、Louis Amstrong等人，会比我们在这里说破嘴要来得有力得多，他们就是可以「拖」到让你以为掉拍了，却又仍在控制著节奏，非常了不起。所以说，摇摆的形成，除了切分，还要加上Lay Back，如果是没有Lay Back的摇摆呢？那就会变成像你在电影「摩天大圣」（The Mask）中所听到的Brian Setzer一样的感觉，跟猫王一样有很明显的「滚动感」。当然，不要忘记我们现在讲的都是基本的，到了一九六○、七○、八○年代之後的爵士摇滚、融合爵士、欧洲爵士啊等等，又有更多繁复的变化了，我们现在是先把重点放在爵士乐的传统上。

然後呢，我们还要加上不同的重音（Syncopation），先从不同的每一拍来！再组合不同的音符与休止符，已经有几种可能了，然後呢，再把每个四分音符换成等值的两个八分，用「打卡」来唱，各位跟著操作就会发现，要摇摆似乎不是那麼难，但也不是那麼简单哦！藉由实际的操作，你应该可以体会到，把同样的节奏动机摆在不同的位置上，就会有不同的效果。那麼接下来我们就要追求一种变化，一种音乐性的变化，这是爵士音乐家比较“反骨”的特徵，每个人都希望把同样的东西，延伸出不同的想法，譬如说在节奏的部份，倒不是说原来的4/4拍，就一定得变成什麼7/8拍、17/16…等等，而是这些拍型如何在4/4拍的固定速度中排列组合得有趣，我们现在看看下一个「吃饱没？」（台语发音），你会发现「甲」的音调比较短、「霸」比较长而带重音、「没」刚好卡在中间，这就很适切地表现出Swing的律动，现在听我们示范一下：

大家跟上吧！（所有人都努力唱著打著…）所以你看，先撇开什麼爵士乐的社会意义、史观、人权、宗教…等等日後的推论，光这样的节奏变化就可以玩得千变万化了！音乐家们会用他们偏好的方式，来给予自己的idea，所以这点大家就别再本末倒置罗！而在场如果你是乐手的话，你可能也会知道，「节奏」是我们亚洲人最弱的环节，因为我们好像天生比较没有节奏感，而且我们会害怕展露我们的律动，你看看如果随便叫一个人起来扭一扭，他（她）一定会闪躲地说∶「啊…麦啦！」可是其实这都是可以克服的，要不然为什麼蔡依林就敢动？孙燕姿就敢跳？就差在有否训练的过程与克服心理障碍而已，而当然在爵士乐中，也会有很多方法，能帮助你「Get used to swing !」的，而摇摆发展到後来，也是愈来愈难，几乎是让人不能跳舞，但还是听来很过瘾的也太多种了！我们都会慢慢地介绍到。

凯雅：我讲一个实际的例子，其实小孩子的学习能力很快，我以前带过一群小朋友合唱团，大概都是国小低年级的，我就想：耶，为什麼不让小朋友也来试试摇摆的感觉？就要他们把「我们快乐地向前走」唱成Swing，手还要像黑人一样弹指摆臂，刚开始他们的动作就跟砍柴一样，根本不晓得该往哪里摆！可是渐渐地过了两个礼拜之後，竟然大家都可以齐了！反而是一些大一点的学生，习惯用一三拍打拍子太久了，实在是改不过来，每个好像身体就是哪里不对劲似的，可是为什麼小孩子做得到，而年轻人做不到呢？就是「惯性」问题而已呀！

启彬：我们现在再进一步让大家参与，我会放几首曲子，大家跟著打二四拍，感觉一下摇摆的感觉。首先是歌手Sarah Vaughan所唱的《Lullaby of Birdland》，不摇摆，大概很难！

这样子听，是不是跟你之前听同一首曲子有很大的差别？是不是更能掌握到她的味道呢？好，我们现在再放另一首快一点的曲子，大家还是要打节拍哦！注意贝斯先是弹在一三拍上的，应能有所助益。

有没有胆再尝试下一首更快的？我们放首Sarah的《Autumn Leaves》，一定有人会问：这怎麼会是《Autumn Leaves》？根本听不出来呀？我现在跟她同步唱主题，你就会知道她是照著此曲的和弦进行与曲式在即兴，而且即兴地太精彩了！

是不是跟你们之前听爵士的「听法」不太一样呢？现在你是融入在听了，你与她一道了！我不晓得各位平常听爵士乐是怎麼个听法？可能是在某个咖啡馆跟同学聊天「诶，期末考怎样？」「昨天我拷了什麼什麼？」「玩『战栗时空』时你用AK还是33的？」……云云，旁边就一片吵杂的背景声音，然後你就会跟朋友说∶「耶，这就是爵士，我爱爵士！」或者是你一个人夜深人静时在熬夜临时抱佛脚时，放放Chet Baker或Billie Holiday悲哀的声音，就很能触动心弦，切合当时的处境、「这就是爵士！」等等，大部分的人把听爵士乐当作是一种放松或调剂（或品味？），可是以乐手来说，他可能想的不是这样的，他不是要当你的配乐的；而乐手在听自己及别人音乐的时候，他会比较去注意到技术性的部份，譬如怎样精彩、有什麼绝招、用什麼曲式、能否令人感动等，这样我们就会去承认一个大师是怎样的「厉害」，有种我做不到他做得到的崇敬心态，这就是我们刚刚讲的「超级英雄」，这或许也可帮助你认清，当你在读书查资料时，常会获得这人很棒那人很经典的推荐，其实当中有一大部份都是从这来的，他们是被各方公认的人物，再经过时间的考验，而不是什麼评鉴给他几个星、什麼指南给他带个花，就可以足以解释一切的！讨论音乐终究是得回到音乐本身，这是我们常常强调的。

像我昨天去逛西门町的淘儿音乐城，就听到一位大学生模样的同学（侧面一听还可能是有椰林大道的那间），在跟他的一位朋友推荐买这买那的，他是讲得口沫横飞，旁边的是愁容满面，「我告诉你，现在要买这个啦！“艺术胡椒”，赫！多有名啊！」，原来他是在讲Art Pepper！还有「寇川的名号听过吧？告诉你，他儿子现在也有出，也该买！」朋友脸部表情更焦虑了，他还讲得头头是道「这张啊，企鹅三星带花、留声机大赏…那张就是全音乐指南四颗半星、日本Swing Journal百大榜单…梦幻逸盘、必备……」天啊！一种比高级的姿态也慢慢展露「我听爵士跟别人都不一样，基本上我是倒回头听的…」OK，如果你觉得这样“听”音乐是一种乐趣，那就请随意吧！反正旁边还有两个女生在吱吱喳喳，说小野丽莎的“爵士”好好听喔！

（现在整个地下室已经塞得爆满了，很多人是站著贴在墙壁上听，此番情景好像是什麼债权人投资大会，或启彬是什麼股市名嘴似的…） 

「和声」（Melody）—

第二个我们要讲的是「和声」的部份，各位可以告诉我什麼是和声吗？（凯雅弹了一个像百货公司广播的琶音）在五线谱中有三个音以上叠上去的组合声响，我们就叫它「和弦」（Chord），两个音相叠我们叫做「音程」（Interval），那麼和弦与和弦之间的连接呢，我们叫它「和弦进行」（Chord Progressions），而研究和弦进行及和弦堆叠组合的学问，就是我们说的「和声」，不管你是在古典乐、爵士乐、流行乐中都一样，这是最浅显的说法，我们不求大家变成专家，但是有些基本概念总是好的。世界上有很多人，总是认为当我们在讲爵士和声的时候，跟古典和声必须一刀两断，这是不可能的！如果大家认真一点读了一点资料的话，就会知道爵士乐在二十世纪初逐渐成形时，所融合的是非洲的节奏与欧洲的和声，而欧洲的和声就是指古典音乐，当时大家都在听，不管你是黑人白人一定会听到的，而且时至今日，它们仍在交互影响著。我们来看一下：平常我们在看一首莫札特或布拉姆斯的曲子时，你应该不会看到像「CMaj7」、「G7alt」这样的字眼写在谱上头吧？为什麼呢？其实很简单，因为当时还没有发明这种记载和弦的方法嘛！所以一位作曲家在创作时，他必须要把完整的谱都写下来，什麼音搭什麼音都要写得清清楚楚的，然後写完後他得配器（Orchestrate）给交响乐团、弦乐四重奏…等等，所以我们常会听到古典作曲家创作一首交响曲花了十年工夫的故事。然而大部分的作曲家，仍是遵循著「功能和声」（Functional Harmony）的原则进行的，如果这曲子有大小调的话，那麼我们照样能用爵士和弦记谱法来分析它。

从爵士乐开始，这样的记谱法就被强化了，譬如说当你看到一个「CMaj7」，就知道它是指「Do-Mi-Sol-Si」这个声响，看到「Dm7」，就是「Re-Fa-La-Do」，这是一种音乐家间沟通的工具，就跟医生在开处方时，那一大堆专有名词我们也看不懂。渐渐地，随著各种音乐延伸出去，我们在许多流行歌、摇滚乐中也能看到这种记谱法了，正因为这是「爵士」记谱法，所以就演变成大家在台湾都把这样记的都叫「爵士乐」，西餐厅弹的、理查克莱德门等情调音乐，通通都被归类为爵士乐，只因为乐师之间都用这种记谱法沟通，这不是又是「本末倒置」的另一示范吗？那到底在爵士乐中，「和声」的方法又是怎样的呢？告诉各位一个最简单的说法：除了乐手该知道的基本常识外，它最重视的就是如何把这「排列组合」发展到极致，不管是垂直的，还是水平的，这就是爵士乐的一大贡献，发展到最後几近完美的地步，所以像Ornette Coleman、Cecil Taylor等人就又跑出来，用别的概念来发展爵士乐了！可是，你还是不可能说：我是一个爵士乐手，可是我看不懂和弦、听不到和声，这样的可能性仍是微乎其微的。我们现在再来实地操作看看，在爵士乐中所谓的「和弦配置」（Voicing）是怎样的艺术。你们如果常看国外的文章，或常听乐手聊天，一定会听到什麼「Two-Five」，那就是我们举的例子「IIm7-V7」，这是爵士乐中最常被使用的和弦进行，我们请凯雅弹一下：

凯雅：我从最简单的弹起，你会很明显地感觉到一种松弛—张力—解决的声响，是不是？这个小元素是爵士乐中最重要的之一，当然如果我们再持续发展，加了愈来愈多的延伸音（Tensions）、变化音（Altered Notes），那麼它的声响就会愈来愈“刺激”，也就是愈来愈复杂、愈现代了！那麼像爵士钢琴手、吉他手等能演奏「和声乐器」的，如何完美而巧妙地创造和声，就变成我们最重要的任务，不管是自己演奏，或帮别人伴奏，这都要花长年的时间来适应与累积的。譬如像John Coltrane的钢琴手McCoy Tyner，他的和声技法就是一家之言，以四度来堆叠出十分具有威力的声响，而像这样的和弦配置，又回头来影响即兴的旋律，所以像你在Chick Corea、Herbie Hancock身上，都可以看到这种传承。

启彬：在五○年代之後的爵士乐，有很多是这样的声响的，而刚讲到和声影响旋律，现代感的和声就会有现代感的旋律，这样听起来是否就跟莫札特差很多了呢？在写旋律或即兴演奏时，音乐家们也要去注意有否加强那些延伸音、变化音等等，这样的声音，常常是蛮「outside」的，因为人的耳朵一开始并不能适应它，正如Bebop时期音乐家已经有勇气碰触更多延伸变化音，那麼老一辈的爵士音乐家，当然是觉得「错了」或是「很难听」罗！所以说，当一位乐手在拿到一首曲子或和弦进行时，他所想的到倒不是什麼走到河边突然接受到天上的感应、或是清晨起来喝咖啡时旁边的露水凝望著的这些写意情境，而是我该怎麼把这曲子或和弦进行变得「有趣」？我该如何串接？我该如何用即兴让它变得更有意思？这是主要大家在努力的，也是需要花长时间训练的，而不是像「即兴」的字面意义那样简单而已。像Joe Pass就常常在强调属七和弦时的altered声响，可是如果你不知道，你只是会觉得他很炫而已，而不知这是有法则的。

我们现在就来示范一下，在一组反覆的「IIm7-V7-IMaj7」中，我们可以有多少不同的变化，不管是即兴旋律或和声伴奏，我们都试著让它们每次都不一样：

【示范合奏即兴「II-V-I」】

现在大家应该可以体会：一个简单的小元素，我们还是可以变化，更遑论是格局再大的即兴了！而这些即兴的手法，其实是有很多法则的，随著时间的推进，也有更多更新的想法跑出来，但是要怎样学习这些呢？最好的方法仍是向这些爵士乐历史上的大师学习，聆听他们的音乐、分析他们的创意，慢慢地整合得出你自己的。所以其实对一位爵士音乐家来讲，作曲其实只是把即兴变慢，而即兴就是即席作曲的一种表现，只是这无法凭空得来的。「和声」的问题其实比较深入，我们仅就以上简单地介绍一番。 

「旋律」（Melody）—

从「和声」我们又带到「旋律」的部份，其实刚刚我们不是说过吗？和声是会影响旋律的，而在爵士乐中，它的旋律影响来源，除了强调比较多的延伸变化音外与音程（Intervals）之外，之前提到的切分节奏，也是十分重要的要素，我们现在先看看在Bebop时期，Charlie Parker所写的一首名曲《Confirmation》∶

Charlie Parker大家听过吧！最近电视上在播的「小姐，这是你最喜欢的爵士CD…」广告，里头拿的就是一张「Charlie Parker At Storyville」，还好还好，她没有拿Kenny G！那台湾的爵士乐还蛮有希望的，呵呵！OK，现在凯雅先用钢琴弹一遍，去掉旋律，让大家听听看在爵士乐中，正常和弦进行的色彩是怎样的？

那如果我们换个节奏呢？我们也简化和声呢？听听看：

听起来是不是就像日剧配乐一样的清清淡淡古典小品风？我们还可以再更慢，譬如：

好像「不在乎天长地久，只在乎…」（“能讲多久？”「雨柔、雨柔！」）的配乐啊！肝肠寸断、柔情似水，可是它的和弦进行还是不变，只是节奏、速度与诠释法变了而已。因为基本上这样的和弦进行，还是停留在「调性和声」（Tonal Harmony）的范畴中，所以你在很多种音乐中，都可以找到这样的进行。那我们现在来听听，Charlie Parker所写的旋律会是怎样的呢？

是不是跟你们刚刚练习的「打卡」、「吃饱没？」有异曲同工之妙？那样的感觉无所不在，你会发现这旋律其实已很像即兴，而且Bird运用了很多的半音、经过音、装饰音等等，让旋律听来很“跳跃”（Bouncing），而且这跟黑人的讲话腔调有很大的关连，听起来黏黏的但很有弹性，譬如说你听Bird的即兴，就充满了这样的律动，倒不是像古典乐一样，一颗一颗音都要很清楚的呈现，这样的话那种滑溜感又没了。而到了Bebop之後，音乐家又冷静下来，把这些摇摆而滑溜的律动放慢，就变成我们所讲的「Hard Bop 」—也就是改良式的Bebop，然後再继续发展。所以罗，要学会爵士即兴，不是说你买书来看一看，基本练习练一练就可以的，而是必须要全面性的学习，很不幸地这也是长久以来存在於台湾音乐环境的诟病，大家都只看到谱的一面，可是为什麼外国音乐家的感觉，就硬是比我们自然、精彩许多呢？就是这些谱上看不到的，而这也是最需要注重的。 

「曲式」（Form）—

爵士音乐家把这些乐曲复杂化也简单化，复杂的就是我们刚刚一直讲的，从节奏、和声、旋律上来变化，而简单化呢，则是指甚至忽略了歌词、序奏、更改和弦成比较“爵士”的样子，像我曾经在网路上看到一个问题，问Chet Baker是如何“写”出《My Funny Valentine》这麼令人触景生情的一首歌？这根本就不是他写的啊！只是他诠释的版本已经是变成了经典之一，而听者将自己的心情投射上去而已。而且还有很多很著名的版本，像Miles Davis前後两个五重奏的版本、Herbie Hancock的版本等等都是，这些都是流通音乐家之间的基本常识（General Business）。而到了Bebop时期，大夥儿玩得更凶了，用很多大家熟知的经典曲和弦进行，重新谱写旋律，就跟刚刚你们看到的《Confirmation》那样，速度变快了，旋律变难了，因此对乐手的素质要求，是否也要变更高了呢？

我们现在就来放放一首曲子，大家看到由Sonny Rollins所写的《Oleo》，它的旋律是不是有很多切分的感觉？而它的和弦进行与曲式，是否又有点相似？各位听过盖希文写的《I Got Rhythm》吧？我们後来归类出，只要是依据这首歌的和弦及曲式所重新谱写的曲子，通通都赋予一个专有名称叫「Rhythm Changes」，而《Oleo》正是最有名的之一，我们要放的是Miles Davis的马拉松录音之一「Relaxin'」中的第四首：

注意到它在A3这段的第三、四小节中，有一个节奏型，是鼓手跟钢琴手在玩的，我们待会就藉由这个节奏型，来帮助大家跟Miles、John Coltrane、Red Garland、Philly Joe Jones、Paul Chambers一起演奏，让你们跟他们同步前进，到了这节奏型的段落时，大家可要跟著打哦！

其实什麼是摇摆？让我们再回到古典音乐，来到华尔兹（Waltz）正盛行的维也纳，你会听见，真正的华尔兹，是跟我们用电子琴做的「碰恰恰」那卡西版本很不一样的，仔细地听听约翰史特劳斯的圆舞曲，你会发觉它的第二拍来得比较快，这是谱上记录不出来的，会这样演奏的原因，即是在於跳舞的舞步关系，淑女们都刚好在那一个瞬间转圈圈，如果你硬梆梆地照谱演奏，就带不出那种风味了，这其实也是「摇摆」的一种广义说法；又如同萧邦所擅长的马祖卡舞曲，也是从他的祖国波兰来的，演奏这些曲子的方法，就得靠老师们意会言传，这样感觉才不会走味了！在欧洲还有不少钢琴教授，会边说边跳呢！再举个例子：如果你去听现在很红的五月天十月X，全场的观众一定也会像起乩一样的摇动身躯，这些，其实都算是「摇摆」，也进而揭露出「不同的律动有不同的身体摆动法」这个事实。那麼爵士乐的基本律动是怎样的呢？你们一定看过很多画面，是听爵士乐的人会边弹指边摇头晃脑，眼睛还是闭著的一副恶心…不！悠哉样，我们以前帮费玉清做节目时，他就常常在萨克斯风演奏时故意在旁装出这种陶醉的感觉！可是，这样的动作，就把爵士乐的基本律动给带了出来，这种律动的生成，迄今已快要一百年了，所谓的爵士乐手，都必须要把「摇摆」当成一个延伸点，不管你是John Zorn也好、Uri Caine、Steve Coleman也好，只要你敢站出来说「我是一个爵士音乐家」，基本上是不太可能会说「可是我不能Swing」的！就算你通晓了所有的理论、音阶与和弦，它们也不能完全构成「爵士乐」的条件，因为在这传统之下，大家都是要学会或耳濡目染这种律动的感觉的。

好，我们现在就来实际操作一下，要摇摆，就得先玩玩「切分」，我们先不管古典音乐有多少规则来定义切分，请跟著我们打「第二拍与第四拍」，来感受一下吧！首先我们来看看「打卡」这个例子，顺便做个放松操：

One、Two、One-Two-Three-Four…我们先唱唱「哎哟喂呀」，不要愈来愈快喔！要放松（以拟声唱法Scat示范），你会发现，在我们刚刚唱的八分音符中，虽然它记谱仍是没变的，但在唱法上，是不是变成了前面较长、後面较短的感觉，有时候我们会把它定义成「类似」这样的感觉：

要切记的是，大多数的人就是忽略了那个「约等於」，直接把它等於了，就造就出现在台湾人演奏爵士乐时常会遇到的「进行曲」（如《热血滔滔》）及「日本演歌」的通病，因为Swing很容易变成跳跃式的12/8感觉，所以难怪我们的爵士乐没有那个味道！而这个「约等於」的感觉又要从哪儿来呢？让我告诉大家，那就是黏黏的「Lay Back」，这完全无法在谱上显示出来的，该怎麼说明它很难，但举些以Lay Back出名的音乐家让各位听听，如Dexter Gordon、Miles Davis、Chet Baker、Billie Holiday、Louis Amstrong等人，会比我们在这里说破嘴要来得有力得多，他们就是可以「拖」到让你以为掉拍了，却又仍在控制著节奏，非常了不起。所以说，摇摆的形成，除了切分，还要加上Lay Back，如果是没有Lay Back的摇摆呢？那就会变成像你在电影「摩天大圣」（The Mask）中所听到的Brian Setzer一样的感觉，跟猫王一样有很明显的「滚动感」。当然，不要忘记我们现在讲的都是基本的，到了一九六○、七○、八○年代之後的爵士摇滚、融合爵士、欧洲爵士啊等等，又有更多繁复的变化了，我们现在是先把重点放在爵士乐的传统上。

然後呢，我们还要加上不同的重音（Syncopation），先从不同的每一拍来！再组合不同的音符与休止符，已经有几种可能了，然後呢，再把每个四分音符换成等值的两个八分，用「打卡」来唱，各位跟著操作就会发现，要摇摆似乎不是那麼难，但也不是那麼简单哦！藉由实际的操作，你应该可以体会到，把同样的节奏动机摆在不同的位置上，就会有不同的效果。那麼接下来我们就要追求一种变化，一种音乐性的变化，这是爵士音乐家比较“反骨”的特徵，每个人都希望把同样的东西，延伸出不同的想法，譬如说在节奏的部份，倒不是说原来的4/4拍，就一定得变成什麼7/8拍、17/16…等等，而是这些拍型如何在4/4拍的固定速度中排列组合得有趣，我们现在看看下一个「吃饱没？」（台语发音），你会发现「甲」的音调比较短、「霸」比较长而带重音、「没」刚好卡在中间，这就很适切地表现出Swing的律动，现在听我们示范一下：

大家跟上吧！（所有人都努力唱著打著…）所以你看，先撇开什麼爵士乐的社会意义、史观、人权、宗教…等等日後的推论，光这样的节奏变化就可以玩得千变万化了！音乐家们会用他们偏好的方式，来给予自己的idea，所以这点大家就别再本末倒置罗！而在场如果你是乐手的话，你可能也会知道，「节奏」是我们亚洲人最弱的环节，因为我们好像天生比较没有节奏感，而且我们会害怕展露我们的律动，你看看如果随便叫一个人起来扭一扭，他（她）一定会闪躲地说∶「啊…麦啦！」可是其实这都是可以克服的，要不然为什麼蔡依林就敢动？孙燕姿就敢跳？就差在有否训练的过程与克服心理障碍而已，而当然在爵士乐中，也会有很多方法，能帮助你「Get used to swing !」的，而摇摆发展到後来，也是愈来愈难，几乎是让人不能跳舞，但还是听来很过瘾的也太多种了！我们都会慢慢地介绍到。

凯雅：我讲一个实际的例子，其实小孩子的学习能力很快，我以前带过一群小朋友合唱团，大概都是国小低年级的，我就想：耶，为什麼不让小朋友也来试试摇摆的感觉？就要他们把「我们快乐地向前走」唱成Swing，手还要像黑人一样弹指摆臂，刚开始他们的动作就跟砍柴一样，根本不晓得该往哪里摆！可是渐渐地过了两个礼拜之後，竟然大家都可以齐了！反而是一些大一点的学生，习惯用一三拍打拍子太久了，实在是改不过来，每个好像身体就是哪里不对劲似的，可是为什麼小孩子做得到，而年轻人做不到呢？就是「惯性」问题而已呀！

启彬：我们现在再进一步让大家参与，我会放几首曲子，大家跟著打二四拍，感觉一下摇摆的感觉。首先是歌手Sarah Vaughan所唱的《Lullaby of Birdland》，不摇摆，大概很难！

这样子听，是不是跟你之前听同一首曲子有很大的差别？是不是更能掌握到她的味道呢？好，我们现在再放另一首快一点的曲子，大家还是要打节拍哦！注意贝斯先是弹在一三拍上的，应能有所助益。

有没有胆再尝试下一首更快的？我们放首Sarah的《Autumn Leaves》，一定有人会问：这怎麼会是《Autumn Leaves》？根本听不出来呀？我现在跟她同步唱主题，你就会知道她是照著此曲的和弦进行与曲式在即兴，而且即兴地太精彩了！

是不是跟你们之前听爵士的「听法」不太一样呢？现在你是融入在听了，你与她一道了！我不晓得各位平常听爵士乐是怎麼个听法？可能是在某个咖啡馆跟同学聊天「诶，期末考怎样？」「昨天我拷了什麼什麼？」「玩『战栗时空』时你用AK还是33的？」……云云，旁边就一片吵杂的背景声音，然後你就会跟朋友说∶「耶，这就是爵士，我爱爵士！」或者是你一个人夜深人静时在熬夜临时抱佛脚时，放放Chet Baker或Billie Holiday悲哀的声音，就很能触动心弦，切合当时的处境、「这就是爵士！」等等，大部分的人把听爵士乐当作是一种放松或调剂（或品味？），可是以乐手来说，他可能想的不是这样的，他不是要当你的配乐的；而乐手在听自己及别人音乐的时候，他会比较去注意到技术性的部份，譬如怎样精彩、有什麼绝招、用什麼曲式、能否令人感动等，这样我们就会去承认一个大师是怎样的「厉害」，有种我做不到他做得到的崇敬心态，这就是我们刚刚讲的「超级英雄」，这或许也可帮助你认清，当你在读书查资料时，常会获得这人很棒那人很经典的推荐，其实当中有一大部份都是从这来的，他们是被各方公认的人物，再经过时间的考验，而不是什麼评鉴给他几个星、什麼指南给他带个花，就可以足以解释一切的！讨论音乐终究是得回到音乐本身，这是我们常常强调的。

像我昨天去逛西门町的淘儿音乐城，就听到一位大学生模样的同学（侧面一听还可能是有椰林大道的那间），在跟他的一位朋友推荐买这买那的，他是讲得口沫横飞，旁边的是愁容满面，「我告诉你，现在要买这个啦！“艺术胡椒”，赫！多有名啊！」，原来他是在讲Art Pepper！还有「寇川的名号听过吧？告诉你，他儿子现在也有出，也该买！」朋友脸部表情更焦虑了，他还讲得头头是道「这张啊，企鹅三星带花、留声机大赏…那张就是全音乐指南四颗半星、日本Swing Journal百大榜单…梦幻逸盘、必备……」天啊！一种比高级的姿态也慢慢展露「我听爵士跟别人都不一样，基本上我是倒回头听的…」OK，如果你觉得这样“听”音乐是一种乐趣，那就请随意吧！反正旁边还有两个女生在吱吱喳喳，说小野丽莎的“爵士”好好听喔！

（现在整个地下室已经塞得爆满了，很多人是站著贴在墙壁上听，此番情景好像是什麼债权人投资大会，或启彬是什麼股市名嘴似的…） 

「和声」（Melody）—

第二个我们要讲的是「和声」的部份，各位可以告诉我什麼是和声吗？（凯雅弹了一个像百货公司广播的琶音）在五线谱中有三个音以上叠上去的组合声响，我们就叫它「和弦」（Chord），两个音相叠我们叫做「音程」（Interval），那麼和弦与和弦之间的连接呢，我们叫它「和弦进行」（Chord Progressions），而研究和弦进行及和弦堆叠组合的学问，就是我们说的「和声」，不管你是在古典乐、爵士乐、流行乐中都一样，这是最浅显的说法，我们不求大家变成专家，但是有些基本概念总是好的。世界上有很多人，总是认为当我们在讲爵士和声的时候，跟古典和声必须一刀两断，这是不可能的！如果大家认真一点读了一点资料的话，就会知道爵士乐在二十世纪初逐渐成形时，所融合的是非洲的节奏与欧洲的和声，而欧洲的和声就是指古典音乐，当时大家都在听，不管你是黑人白人一定会听到的，而且时至今日，它们仍在交互影响著。我们来看一下：平常我们在看一首莫札特或布拉姆斯的曲子时，你应该不会看到像「CMaj7」、「G7alt」这样的字眼写在谱上头吧？为什麼呢？其实很简单，因为当时还没有发明这种记载和弦的方法嘛！所以一位作曲家在创作时，他必须要把完整的谱都写下来，什麼音搭什麼音都要写得清清楚楚的，然後写完後他得配器（Orchestrate）给交响乐团、弦乐四重奏…等等，所以我们常会听到古典作曲家创作一首交响曲花了十年工夫的故事。然而大部分的作曲家，仍是遵循著「功能和声」（Functional Harmony）的原则进行的，如果这曲子有大小调的话，那麼我们照样能用爵士和弦记谱法来分析它。

从爵士乐开始，这样的记谱法就被强化了，譬如说当你看到一个「CMaj7」，就知道它是指「Do-Mi-Sol-Si」这个声响，看到「Dm7」，就是「Re-Fa-La-Do」，这是一种音乐家间沟通的工具，就跟医生在开处方时，那一大堆专有名词我们也看不懂。渐渐地，随著各种音乐延伸出去，我们在许多流行歌、摇滚乐中也能看到这种记谱法了，正因为这是「爵士」记谱法，所以就演变成大家在台湾都把这样记的都叫「爵士乐」，西餐厅弹的、理查克莱德门等情调音乐，通通都被归类为爵士乐，只因为乐师之间都用这种记谱法沟通，这不是又是「本末倒置」的另一示范吗？那到底在爵士乐中，「和声」的方法又是怎样的呢？告诉各位一个最简单的说法：除了乐手该知道的基本常识外，它最重视的就是如何把这「排列组合」发展到极致，不管是垂直的，还是水平的，这就是爵士乐的一大贡献，发展到最後几近完美的地步，所以像Ornette Coleman、Cecil Taylor等人就又跑出来，用别的概念来发展爵士乐了！可是，你还是不可能说：我是一个爵士乐手，可是我看不懂和弦、听不到和声，这样的可能性仍是微乎其微的。我们现在再来实地操作看看，在爵士乐中所谓的「和弦配置」（Voicing）是怎样的艺术。你们如果常看国外的文章，或常听乐手聊天，一定会听到什麼「Two-Five」，那就是我们举的例子「IIm7-V7」，这是爵士乐中最常被使用的和弦进行，我们请凯雅弹一下：

凯雅：我从最简单的弹起，你会很明显地感觉到一种松弛—张力—解决的声响，是不是？这个小元素是爵士乐中最重要的之一，当然如果我们再持续发展，加了愈来愈多的延伸音（Tensions）、变化音（Altered Notes），那麼它的声响就会愈来愈“刺激”，也就是愈来愈复杂、愈现代了！那麼像爵士钢琴手、吉他手等能演奏「和声乐器」的，如何完美而巧妙地创造和声，就变成我们最重要的任务，不管是自己演奏，或帮别人伴奏，这都要花长年的时间来适应与累积的。譬如像John Coltrane的钢琴手McCoy Tyner，他的和声技法就是一家之言，以四度来堆叠出十分具有威力的声响，而像这样的和弦配置，又回头来影响即兴的旋律，所以像你在Chick Corea、Herbie Hancock身上，都可以看到这种传承。

启彬：在五○年代之後的爵士乐，有很多是这样的声响的，而刚讲到和声影响旋律，现代感的和声就会有现代感的旋律，这样听起来是否就跟莫札特差很多了呢？在写旋律或即兴演奏时，音乐家们也要去注意有否加强那些延伸音、变化音等等，这样的声音，常常是蛮「outside」的，因为人的耳朵一开始并不能适应它，正如Bebop时期音乐家已经有勇气碰触更多延伸变化音，那麼老一辈的爵士音乐家，当然是觉得「错了」或是「很难听」罗！所以说，当一位乐手在拿到一首曲子或和弦进行时，他所想的到倒不是什麼走到河边突然接受到天上的感应、或是清晨起来喝咖啡时旁边的露水凝望著的这些写意情境，而是我该怎麼把这曲子或和弦进行变得「有趣」？我该如何串接？我该如何用即兴让它变得更有意思？这是主要大家在努力的，也是需要花长时间训练的，而不是像「即兴」的字面意义那样简单而已。像Joe Pass就常常在强调属七和弦时的altered声响，可是如果你不知道，你只是会觉得他很炫而已，而不知这是有法则的。

我们现在就来示范一下，在一组反覆的「IIm7-V7-IMaj7」中，我们可以有多少不同的变化，不管是即兴旋律或和声伴奏，我们都试著让它们每次都不一样：

【示范合奏即兴「II-V-I」】

现在大家应该可以体会：一个简单的小元素，我们还是可以变化，更遑论是格局再大的即兴了！而这些即兴的手法，其实是有很多法则的，随著时间的推进，也有更多更新的想法跑出来，但是要怎样学习这些呢？最好的方法仍是向这些爵士乐历史上的大师学习，聆听他们的音乐、分析他们的创意，慢慢地整合得出你自己的。所以其实对一位爵士音乐家来讲，作曲其实只是把即兴变慢，而即兴就是即席作曲的一种表现，只是这无法凭空得来的。「和声」的问题其实比较深入，我们仅就以上简单地介绍一番。 

「旋律」（Melody）—

从「和声」我们又带到「旋律」的部份，其实刚刚我们不是说过吗？和声是会影响旋律的，而在爵士乐中，它的旋律影响来源，除了强调比较多的延伸变化音外与音程（Intervals）之外，之前提到的切分节奏，也是十分重要的要素，我们现在先看看在Bebop时期，Charlie Parker所写的一首名曲《Confirmation》∶

Charlie Parker大家听过吧！最近电视上在播的「小姐，这是你最喜欢的爵士CD…」广告，里头拿的就是一张「Charlie Parker At Storyville」，还好还好，她没有拿Kenny G！那台湾的爵士乐还蛮有希望的，呵呵！OK，现在凯雅先用钢琴弹一遍，去掉旋律，让大家听听看在爵士乐中，正常和弦进行的色彩是怎样的？

那如果我们换个节奏呢？我们也简化和声呢？听听看：

听起来是不是就像日剧配乐一样的清清淡淡古典小品风？我们还可以再更慢，譬如：

好像「不在乎天长地久，只在乎…」（“能讲多久？”「雨柔、雨柔！」）的配乐啊！肝肠寸断、柔情似水，可是它的和弦进行还是不变，只是节奏、速度与诠释法变了而已。因为基本上这样的和弦进行，还是停留在「调性和声」（Tonal Harmony）的范畴中，所以你在很多种音乐中，都可以找到这样的进行。那我们现在来听听，Charlie Parker所写的旋律会是怎样的呢？

是不是跟你们刚刚练习的「打卡」、「吃饱没？」有异曲同工之妙？那样的感觉无所不在，你会发现这旋律其实已很像即兴，而且Bird运用了很多的半音、经过音、装饰音等等，让旋律听来很“跳跃”（Bouncing），而且这跟黑人的讲话腔调有很大的关连，听起来黏黏的但很有弹性，譬如说你听Bird的即兴，就充满了这样的律动，倒不是像古典乐一样，一颗一颗音都要很清楚的呈现，这样的话那种滑溜感又没了。而到了Bebop之後，音乐家又冷静下来，把这些摇摆而滑溜的律动放慢，就变成我们所讲的「Hard Bop 」—也就是改良式的Bebop，然後再继续发展。所以罗，要学会爵士即兴，不是说你买书来看一看，基本练习练一练就可以的，而是必须要全面性的学习，很不幸地这也是长久以来存在於台湾音乐环境的诟病，大家都只看到谱的一面，可是为什麼外国音乐家的感觉，就硬是比我们自然、精彩许多呢？就是这些谱上看不到的，而这也是最需要注重的。 

「曲式」（Form）—

爵士音乐家把这些乐曲复杂化也简单化，复杂的就是我们刚刚一直讲的，从节奏、和声、旋律上来变化，而简单化呢，则是指甚至忽略了歌词、序奏、更改和弦成比较“爵士”的样子，像我曾经在网路上看到一个问题，问Chet Baker是如何“写”出《My Funny Valentine》这麼令人触景生情的一首歌？这根本就不是他写的啊！只是他诠释的版本已经是变成了经典之一，而听者将自己的心情投射上去而已。而且还有很多很著名的版本，像Miles Davis前後两个五重奏的版本、Herbie Hancock的版本等等都是，这些都是流通音乐家之间的基本常识（General Business）。而到了Bebop时期，大夥儿玩得更凶了，用很多大家熟知的经典曲和弦进行，重新谱写旋律，就跟刚刚你们看到的《Confirmation》那样，速度变快了，旋律变难了，因此对乐手的素质要求，是否也要变更高了呢？

我们现在就来放放一首曲子，大家看到由Sonny Rollins所写的《Oleo》，它的旋律是不是有很多切分的感觉？而它的和弦进行与曲式，是否又有点相似？各位听过盖希文写的《I Got Rhythm》吧？我们後来归类出，只要是依据这首歌的和弦及曲式所重新谱写的曲子，通通都赋予一个专有名称叫「Rhythm Changes」，而《Oleo》正是最有名的之一，我们要放的是Miles Davis的马拉松录音之一「Relaxin'」中的第四首：

注意到它在A3这段的第三、四小节中，有一个节奏型，是鼓手跟钢琴手在玩的，我们待会就藉由这个节奏型，来帮助大家跟Miles、John Coltrane、Red Garland、Philly Joe Jones、Paul Chambers一起演奏，让你们跟他们同步前进，到了这节奏型的段落时，大家可要跟著打哦！