如何欣赏一幅画作？
常常去museum或者art gallery都是走马观花，不懂得怎么去欣赏一幅画作？请问有没有什么切入点例如比例、色彩、创意？
按投票排序
一个二个说的好像很管用似的，好像看完答案就能看懂画一样。我来揭露个很残酷的事实：如果你没有任何审美经验、如果你的美学教育还停留在高中阶段。那你看完所有那些得分高的答案你仍然看不懂画。有个匿名用户说得好，先看几部美术史在谈怎么看懂画。一双犀利的审美的眼睛，需要经年累月的审美经验的积累和海量的知识储备，还要有天份和心性。这是门极其复杂的学问，复杂到就连我们专业的圈内都有很多滥竽充数的伪学者。当然我不是说前面那些高分答案没有价值，他们的价值在于对知识点的细分和累加而不在于“点化”（我想不到合适的词）中国的美育状况可以说是非常糟糕，我曾经遇到过很多名校毕业其他文科毕业的高才生（文科按说要好一些，理科的更甚），他们都是在自己学科内非常专业和优秀的学生，但他们在面对一幅画的时候表现出来的审美能力低得难以置信。这还是社会上的精英呢，那那些受教育没那么高的又如何呢？这里面的原因就不细说了还是回到怎么读懂画上面，既然回答总要有个回答的样子。要看得懂画或者说学会如何具备审美能力首先要知道艺术这个学问的性质和特点。艺术首先不是细分化的知识点，任何尝试用细分知识点的途径都会误入歧途，尤其是对初学者来说。艺术是关于整体性的知识，关于人的完整性，人与自然与世界的关系问题。是人绕过理性系统通过身体体验和直觉直接感受世界的方法。但它又不能完全脱离理性和知识，知识和经验会退化为背景增加到潜意识里面整合，从而再由感觉的通道出来。说得白一点就是：既不能完全依靠知识去解读一张画也不能完全凭借感觉去把握它。这是一个相互依靠的有机的活体（这几个字手机不能加粗，请脑补加粗）。了解这个特点以后就会明白，靠几个知识点是不可能看懂画的，必须要根据你所掌握的所有知识加上你的经验，悟性，对人和自然的理解，这些东西混合在一起的情况下尝试努力与作品交流。所以，说到最后。要看懂画唯一的方法就是，多看画，多看美术史，多感觉。慢慢的你就会有所领悟。---------------我并非理论出生，论证起这个问题感觉很吃力，只能乱七八糟谈谈自己的感受。勿喷。
看到有回答「一看构图，二看色彩，三看光影，四看笔触」，虽然粗暴了一些，不过大致如此。下面就来不粗暴地说说。1：构图当我们看到一幅画作时，第一眼看到的首先是大致结构，构图是对一幅画作整体的把控力，也决定了画作的广度和深度。对观众而言构图的美感经验也是最直接的，对艺术作品的形式美的感受也是最为干脆的，在艺术画作形式美的所有因素里，结构形态的形式美感是重要的基础。合理的构图形式能通过视觉作用的强弱对比，对观众的第一眼印象产生支配作用，明确画面的主要部位即画面中心，引导视觉的顺序，使观众能在一定的思维上基本按照作者构思的线索去浏览画面。这就是构图的特殊功能。来些栗子三角构图詹建俊《狼牙山五壮士》三角形构图，稳定感十足，《狼牙山五壮士》的仰视效果则增强了壮士宁死也不屈的刚毅之感和形成永恒的纪念碑式的稳定感，是不是赶脚就跟葫芦娃的葫芦山似的极富力量感。[1]三角形构图，稳定感十足，《狼牙山五壮士》的仰视效果则增强了壮士宁死也不屈的刚毅之感和形成永恒的纪念碑式的稳定感，是不是赶脚就跟葫芦娃的葫芦山似的极富力量感。[1]达·芬奇《蒙娜丽莎》三角构图的特点就是在画面中所表达的主体放在三角形中或影像本身形成三角形的态势，此构图是视觉感应方式，一般用于不同景别如近景人物、特写等，多用于画中主题明确的作品，当然也有繁复多杂的三角构图，下面我们就来个炒鸡复杂的三角：《梅杜萨之筏》三角构图的特点就是在画面中所表达的主体放在三角形中或影像本身形成三角形的态势，此构图是视觉感应方式，一般用于不同景别如近景人物、特写等，多用于画中主题明确的作品，当然也有繁复多杂的三角构图，下面我们就来个炒鸡复杂的三角：《梅杜萨之筏》籍里柯《梅杜萨之筏》我们可以看到除了三角线以外，《梅杜萨之筏》还运用了各种曲线和倾斜线，结构明显比上两幅要繁复多杂。这是因为它的主题与内容比较复杂，人物的情绪紧张动荡，变化又丰富多样的缘故，从而这决定了作品画面的分割必须是各种构图形式的综合运用。使画里的人群和筏上的船帆形成了两个明确的倾斜三角形，准确有力地表现了落难者在求生欲望的挣扎中相对暂时的稳定感，同时又时刻面临死亡的威胁，存在严重的覆灭危机感。重要的是作者运用这两个倾斜的三角形结构表现了作品生与死的命运问题的基调。与此同时整幅画采用了金字塔式的构图方式，这些因素决定了这件作品基本的构图形式。[2]我们可以看到除了三角线以外，《梅杜萨之筏》还运用了各种曲线和倾斜线，结构明显比上两幅要繁复多杂。这是因为它的主题与内容比较复杂，人物的情绪紧张动荡，变化又丰富多样的缘故，从而这决定了作品画面的分割必须是各种构图形式的综合运用。使画里的人群和筏上的船帆形成了两个明确的倾斜三角形，准确有力地表现了落难者在求生欲望的挣扎中相对暂时的稳定感，同时又时刻面临死亡的威胁，存在严重的覆灭危机感。重要的是作者运用这两个倾斜的三角形结构表现了作品生与死的命运问题的基调。与此同时整幅画采用了金字塔式的构图方式，这些因素决定了这件作品基本的构图形式。[2]平行构图拉斐尔《雅典学院》达·芬奇《最后的晚餐》我们可以看到，这两幅整体都是运用平行辐射线式的构图，《最后的晚餐》里耶酥处在画面中心位置。正是因为平行线的轴心在视觉上自然集中的效果，因此画面中所有的人都紧紧地联系到了耶酥的身上。整排的人和前面长桌子形成平行的水平线，使之在构图中形成向两边展开的视觉感觉。这种视觉的引导使所有弟子的不同面貌、不同的心情、性格逐一呈现在观众面前，为充分刻画出每一个形象以及他们之间的联系提供了足够的空间。我们可以看到，这两幅整体都是运用平行辐射线式的构图，《最后的晚餐》里耶酥处在画面中心位置。正是因为平行线的轴心在视觉上自然集中的效果，因此画面中所有的人都紧紧地联系到了耶酥的身上。整排的人和前面长桌子形成平行的水平线，使之在构图中形成向两边展开的视觉感觉。这种视觉的引导使所有弟子的不同面貌、不同的心情、性格逐一呈现在观众面前，为充分刻画出每一个形象以及他们之间的联系提供了足够的空间。十字构图霍贝玛《树间村道》画面主要运用了垂直线和水平线的分割，对空间的立体分割上强调了道路向远处延伸的运动透视感感。因为水平线压低的缘故，增强了两条垂直线向上的生长趋势，打破了呆滞的画面格局，单纯而简洁大气。画面主要运用了垂直线和水平线的分割，对空间的立体分割上强调了道路向远处延伸的运动透视感感。因为水平线压低的缘故，增强了两条垂直线向上的生长趋势，打破了呆滞的画面格局，单纯而简洁大气。最后再来个综合的，我们就不画线了，看到这里大家可以自行捕捉一下构图方式拉斐尔《西斯庭圣母》《西斯庭圣母》的画面结构看似简单，但是细看画面却同时运用了十字形和正三角形与圆形三种构图方式。从抱着耶酥的圣母到下面两个小天使的内在联系呈现十字架效果，使画面油然而生一种神圣庄严而不可侵犯的气氛。同时，圣母和教皇与摩达拉形成正三角形的视觉效果，画面人物上方的两块帷幕虽然显得有些古板却正好加强了这种三角形的效果，圣母那从容沉着，豁达大度的精神表情状态得到了唯美到位的表现。而放眼整幅作品几组人物形象又形成了一个椭圆形，因此起到了加强了各个形象之间的联系感。[3]《西斯庭圣母》的画面结构看似简单，但是细看画面却同时运用了十字形和正三角形与圆形三种构图方式。从抱着耶酥的圣母到下面两个小天使的内在联系呈现十字架效果，使画面油然而生一种神圣庄严而不可侵犯的气氛。同时，圣母和教皇与摩达拉形成正三角形的视觉效果，画面人物上方的两块帷幕虽然显得有些古板却正好加强了这种三角形的效果，圣母那从容沉着，豁达大度的精神表情状态得到了唯美到位的表现。而放眼整幅作品几组人物形象又形成了一个椭圆形，因此起到了加强了各个形象之间的联系感。[3]通过以上对一些绘画书籍的研读和构图实践了解后，我们已经可以了解到构图的大致魅力了，构图形式可以通过视觉作用的强弱对比，对观众的第一眼产生了吸引性的作用，支配性作用，鼓舞性的作用，明确作品画面的中心，引导观众视觉的顺序，使观众基本上按照作者的线索去浏览画面欣赏画面,这就是构图的特殊功能和在绘画中的特殊地位。2：色彩如果是构图是大纲的话，那么色彩就是一幅画作的语言，也是绘画诸要素中最具感情特征，是绘画者表达自己与观赏者交流的一种独特方式。我们经常看到，有的绘画作品，虽然构图一般，但由于色彩处理得恰当，还是能吸引观众。与此相反，有的作品，如果 在构图、素描、透视、解剖等方面都具有一定水平，但在色彩处理和运用上存在问题，这幅作品就逊色了。
说到色彩首先当然是说说梵高《罗纳河上的星夜》梵高用像太阳一样炙热的黄色，还有那忧郁哀伤而又近似疯狂的蓝色。这些色彩之间对比单纯、强烈，像具有鲜活热情的生命体，让我们不自觉地为画面而感动，共同融入到画家丰富的主观感情中去。梵高用像太阳一样炙热的黄色，还有那忧郁哀伤而又近似疯狂的蓝色。这些色彩之间对比单纯、强烈，像具有鲜活热情的生命体，让我们不自觉地为画面而感动，共同融入到画家丰富的主观感情中去。再来看看另一个大神莫奈《日出印象》画中多种色彩非常随意、零乱就赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。散发出的光线、色彩、动感和充沛的活力，取代了以往绘画作品中死版的配色。来个抽象的，吴冠中《中国城》一作中，吴冠中用简单的颜色组合粗犷的表述出城中的灯火楼房，飘逸爽快简洁有力，色块和留白毫不违和，使画面充满动感。一作中，吴冠中用简单的颜色组合粗犷的表述出城中的灯火楼房，飘逸爽快简洁有力，色块和留白毫不违和，使画面充满动感。马蒂斯《马蒂斯夫人像》两种主色的冲突搭配搭配，画面效果极其强烈产生出耀眼的闪烁效果，使画面充满了纯绘画性的魅力。让一个沉静的头像生出这样丰富的视觉效果来。两种主色的冲突搭配搭配，画面效果极其强烈产生出耀眼的闪烁效果，使画面充满了纯绘画性的魅力。让一个沉静的头像生出这样丰富的视觉效果来。到这里现在我们对色彩的影响力和表现力也有了一定认识，色彩是引起我们共同的审美愉悦的、最为敏感的形式要素。色彩作为最有表现力的绘画要素之一，它的性质直接影响我们欣赏绘画作品时的感情。不反对吧。3：光影光影实际上是指画中物体受光、背光和反光部分的明暗度变化以及对这种变化的表现方法。我们用眼睛感知物体是靠光的反射，在绘画上也大致如此，在光线照射下出现三种明暗状态，称三大面，即：亮面、中间面、暗面。首先来看看阴影狂魔伦勃朗的作品《浴女》画中色调柔和趋於暗色。在从高处投来的神秘光束映照下，人物彷佛从阴影中浮现出来，走向观赏者。贴身衣裳的白色和肌肤的明亮色调，突出了人物的形体，层次变化细微而丰富。她身后的衣服金黄与红色相间，愈发衬托出她身上的白衣以及撩起衣摆的憨态朴实无华。一个正待洗浴的女子正宽衣下水，神情微妙，初试水温，显出欣喜的画面就这么出现了。[4]画中色调柔和趋於暗色。在从高处投来的神秘光束映照下，人物彷佛从阴影中浮现出来，走向观赏者。贴身衣裳的白色和肌肤的明亮色调，突出了人物的形体，层次变化细微而丰富。她身后的衣服金黄与红色相间，愈发衬托出她身上的白衣以及撩起衣摆的憨态朴实无华。一个正待洗浴的女子正宽衣下水，神情微妙，初试水温，显出欣喜的画面就这么出现了。[4]维米尔《窗前读信的少女》格局虽小但却拥有丰富的表现力，巧妙平衡的构图让其显得更为优美而精准，其中光线的唯美应用创造了一种柔和、弥漫的氛围。维米尔对色彩的卓越把握体现的淋漓尽致，画面中运用的各种蓝色色调一定会让观众流连忘返。[5]格局虽小但却拥有丰富的表现力，巧妙平衡的构图让其显得更为优美而精准，其中光线的唯美应用创造了一种柔和、弥漫的氛围。维米尔对色彩的卓越把握体现的淋漓尽致，画面中运用的各种蓝色色调一定会让观众流连忘返。[5]光影是自然中出去色彩崴最直观的视觉要素，对画面的具体感真实感也起到了最为重要的作用。光影效果的发型与运用大大的丰富了人们的视觉神经，也直接使得绘画技术进一步走向现实，走向客观，走向更深层，更内在，更微妙。4：笔触绘画中的笔触指的是画家在绘画过程中笔、颜料、画布三者之间相互作用后留在画面上的痕迹。它在画中起着相当重要的作用，是绘画艺术区别于摄影艺术的重要标志。笔触作为绘画艺术中的基本元素，有其自身的艺术形式美，是绘画形式美的一部分，也是艺术语言的重要组成部分。再看梵高《自画像》我们在画中看见，之前的夜景是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，和这里自画像里呈主导趋势的曲线笔触产生强烈对比；画中用了一些颜色变化特别微妙的色彩用油画刀刮制而成，留下了许多丰富的笔触。这些笔触因为有色彩，形状，厚薄，肌理的变化，使得这个人物有着不同的层次，这些层次变化产生了一个朦胧充实的形象。整幅画面刻画就生动起来。蒙德里安《红、黄、蓝的构成》咋看之下除了色彩和布局巧夺天工之外就没有其他了是吧，下面我们细看：如果你蹲下身，逆光往上看这幅画——在展馆里是个很狡猾的办法，因为这样会暴露出画作的裂缝以及表面——从画布的纹理可以看出蒙氏画作中黑色长方形用的颜料较薄。而黄色色块使用的颜料就厚重多了。再凑近点看黄色区域能发现这个绘画表面相当丰郁，每个表面和线条都有它的纹理：条纹被刻出了脊线；一些表面，比如蓝色区域，有油漆工人试图避免的徒手画出来回刷笔的纹理痕迹。放在一起这幅画作有了丰富的表面纹理，艺术史学家称之为制作法。如果你蹲下身，逆光往上看这幅画——在展馆里是个很狡猾的办法，因为这样会暴露出画作的裂缝以及表面——从画布的纹理可以看出蒙氏画作中黑色长方形用的颜料较薄。而黄色色块使用的颜料就厚重多了。再凑近点看黄色区域能发现这个绘画表面相当丰郁，每个表面和线条都有它的纹理：条纹被刻出了脊线；一些表面，比如蓝色区域，有油漆工人试图避免的徒手画出来回刷笔的纹理痕迹。放在一起这幅画作有了丰富的表面纹理，艺术史学家称之为制作法。下面的绘画功底十足的学生模仿的作品，只得到一片松软散淡的蓝色，毫无质感可言。当然两三步之外你是完全看不出这些的，这就是大师级别的笔触。[6]下面的绘画功底十足的学生模仿的作品，只得到一片松软散淡的蓝色，毫无质感可言。当然两三步之外你是完全看不出这些的，这就是大师级别的笔触。[6]无论是什么类型的画作，一幅画就是由笔触的轨迹构成的，笔触是一幅画的根本，实质的东西，也是分析一幅及研究作者当时情感取向的重要依据。通过油画材料和工具在画面上创造的丰富肌理痕迹，诠释自己的艺术观念、审美观念及价值取向。我们也可以就此打开另一条美的道路。[7]最后，一般我们队画作欣赏，首先是感知、想象、情感体验等感性认识方面。然后运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。当你开始意识到这种一种丰富，光耀的效果，一种深度的时候，并且享受以上四个方面带来的美的时候，恭喜你朋友，你入门了。回答参考：[1]辛华泉，形态构成学[M][2]赵宪章、张光辉、王雄，西方形式美学[M][3]张石森，西方文艺复兴艺术[M][4]香如故的BLOG，倫勃朗繪畫作品賞析（一）[5]百度百科：窗前读信的少女[6]James Elkins，如何欣赏蒙德里安[7]李继，笔触在中国当代油画作品中的作用
一种正确的欣赏态度也许是去年年初，或者是前年年末，反正是一个飘着雪的深夜。我从弥漫整个三里屯的刺鼻的肉欲之中脱身，拦了一辆出租车，司机是一位头发稀疏的中年男子。我那时候还是一个放浪形骸的花花公子，喜欢调戏女生，也喜欢被女生调戏。如果那时候在三里屯或者工体遇到过我，这是一件再正常不过的事情。作为一个严肃的唯美主义者，我是非常在乎一个人外貌的这么一个人，对外貌的挑剔几近苛刻。为了爱护我自己的眼睛和心灵，我会经常下意识地从那些外貌上与美无缘的人身上移开视线。那天我心情不是特别好，本来想用酒精和香喷的白皙肌肤麻醉自己，但后来发现这并不是一个好的解决方案，逃避总是被思绪打断。耳边的震耳欲聋和眼前的明暗交替无法蒙蔽心中的那一丝哀愁。我在深夜两点多的时候离开了肉欲横流的喧嚣，坐上了一辆由一位头发稀疏的中年师傅开的出租车，我要回家好好哭一场。那个时候我住在康营，从三里屯到康营要路过大山子桥，那是一个在白天堵车很严重的地方。车子路过大山子的时候我看见路旁有几个人影一闪而过，然后接着又是几个人影……司机师傅说这些人都是出来给出租车洗车打蜡的，每天深夜都在这里招揽生意，据说竞争还很激烈。司机师傅一边说着一边打了一个深深的哈欠。我看见一个个锈迹斑斑的铁桶陈列在路旁，熊熊烈火烧红了架在上面的铁锅，每个铁锅都被三四个眼巴巴地盯着出租车的人围住。我问师傅锅里煮的是什么，师傅说是给车打蜡用的蜡。漫天飞雪，地上银白一片，三三两两的洗车人在深夜的大山子跺着脚，哈着气，等待着生意的上门。这画面并不美，也谈不上什么意境，如果我当时急匆匆拿出手机拍了一张照片也许还会很虚。我并没有拍照，因为这个场景出现的太突然。我也没有在事后把这个场景画出来，因为我画不出来那个场景带给我的冲击。如果我要画画，那么我画的肯定是让我有感受的画，是触动到我的某种东西。但这个场景给予彼时彼地的我的那份触动，我无论如何也表达不出来，就算是用我最擅长的绘画也不能。我想我之所以在后来无法把那个场景画出来的主要原因还是因为我变了，那个场景带给我的触动使我想到了人生，想到了理想，想到了现实的残酷与与这份残酷抗争的勇气……就是这个场景带给我的这份触动使我变成了另一种人，这个场景就是改变我的人生道路的一个契机。在彼时彼地，看到那一长留燃烧着的铁桶的那一个瞬间的我，那个被深深触动到的我，是一个特殊的我。不是之前的花花公子，也不是之后的拼命三郎，那一刻受到冲击的我是一个独特的我。我想，如果要画出那个场景，非那一刻受到触动的独特的我莫属。那个场景只能由一颗在现场由于受到感触而汹涌澎湃的心灵来呈现，而不是后来沉寂下来的灵魂。如何欣赏一幅画？这个问题取决于一个人抱着什么样的目的去欣赏。我想，期待与在某一刻特殊的自己的不期而遇也许就是我们要的目的。什么是一种正确的欣赏态度？我想这种态度的名字叫做随心。
隨著這個問題再一次出現在熱門推薦裏，我忍不住更新一下這個回答。其實原來的答案，一半是抖機靈，一半是表達一下對“中學閱讀理解式”藝術欣賞的不敢苟同。沒picture我說個Justin Bieber。上兩張圖說明：門外漢級：第一張畫得很像，第二張什麼鬼。門外漢級藝術愛好者：（看看畫旁邊的標籤）噢，這第一張是拉斐爾的畫，拉斐爾好像聽過這個名字。第二張什麼鬼。門外漢級藝術愛好者，並且小學中學有認真聽美術課：拉斐爾就是那個文藝復興三傑之一吧，他擅長畫聖母，這張肖像畫也畫得挺像。第二張什麼鬼。入門級：第一張是拉斐爾的肖像畫，第二張應該是屬於表現主義。入門級裝逼犯：(在美術館裏跟朋友說)文藝復興是意大利的黃金時期，你看這張拉斐爾的肖像畫，這麼精細，這畫裏的人一定是個有錢人，能讓這麼有名的畫家定制肖像。（回家查資料，發朋友圈）今天去了Florence的Pitti Palace，這張Raphael的Portrait of Agnolo Doni可是大有來頭，作品畫于1506年，畫裏這人是個有地位的商人，和他妻子剛結婚，你看這珠寶畫得多細緻。入門級藝術愛好者：第二張畫不錯，雖然不是寫實的，但是很生動地表現出人物的內心世界，很帶感，讓我拍個照片，回家上網看看這個畫家和流派，學習一下。（這裡轉載一個真實觀眾觀後感，非常符合中學式閱讀理解藝術欣賞的風格，網上摘抄，侵刪）安吉洛·多尼是位收藏家，艺术家的朋友，乌菲兹里米开朗基罗的《圣家族》就是为他所做。据说拉斐尔的这幅双折画的风格是受到了皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡《乌尔比诺公爵夫妇像》的影响，而Maddalena的肖像又明显地受了达芬奇《Mona Lisa》的影响，人物的姿态如出一辙，有分析说在X射线扫描下显示拉斐尔原先是把人物安排在一间屋里，后来又改成了风景，而这种风景的表现明显是受到了他的老师佩鲁吉诺的影响，待会会看到佩氏的画作，一对比就知道了。由此可见，拉斐尔是非常善于向他人学习的典范，并且会取长补短，扬长避短。中級：這張拉斐爾的肖像畫，採用了三角形構圖，使整個畫面有一種穩定的感覺。第二張很有表現力，炭筆素描能快速地抓住動態，這種不規則的排線加強了畫面的氣氛。雖然我還是喜歡寫實的。中級裝逼犯：古典畫已經死了，我只看當代藝術。這第二張畫看着挺表現的，但你知道嗎現在架上繪畫都已經死了！誰還玩這一套，真不夠Avant-garde。（朋友圈配圖最後加了一張杜尚）中級藝術愛好者：（在美術館裏）拉斐爾是大師，畫的畫一定是好的。（用單反拍照，拍完整張拍局部）這個局部處理得特別好，拉斐爾從達芬奇那裡學到了Sfumato，用在這裡真能把人物表現得很逼真。油畫專業本科生學渣級：（在臨摹）邊線轉過去了，紅色的暗部真TMD難畫，直接畫法很難畫出他罩染的那種層次，我得用麗坤。頭髮得分組。手的結構真TMD難畫，我得看看伯裏曼。油畫專業本科生學霸級：臨摹你個頭，畢業了想教考前班是吧？（關起門來認真研究第二張的筆觸、肌理、質感，一週後交了當代藝術選修課作業，名叫《第二個早晨的零碎知覺》，找圈子朋友辦畫展塞作品，請美術史專業的朋友寫了一篇文章，名叫《零碎知覺--素描在後現代語境下的重構》）研究生級：（在知乎受邀）論Portrait of Agnolo Doni與Drawing #21 from Nazi Series的構圖視覺機制文藝復興時期畫家通常運用六種方法來達到構圖的高峰。第一種：從大形到小形的轉變。（例：從衣服的大形狀，到衣袖的中等形狀，到手、手指、戒指，形狀逐漸變小。）第二種：從平面到立體的轉變。（例：手部和衣服都是“二維半”，到了臉部則是全立體。）第三種：從暗部到亮部的轉變。（例：衣服的暗色到臉部的亮色）第四種：從焦點到模糊的轉變。（例：鼻子的鋒利程度和頭髮的鬆動程度）第五種：從暖色到冷色的轉變。（例：前景和背景）第六種：從近到遠的空間轉變。（例：背景用大且平的形，前景用小且豐富的形）這六種方法，可以完全適用與看起來毫無關係事實上也沒有什麼關係的第二张画。除了第五種因為那張素描沒有顏色之外，全部適用。大家可以套套看，這兩張畫的構圖法則是如出一轍的。說學現當代藝術不需要古典藝術知識的，真是拿衣服。而且，這裡只分析了“構圖”一個元素。神馬比例、筆觸、以及一大堆的一大堆的藝術史，我都沒有講。重要的話說三次：非得每張畫都這樣嗎？？？不會累覺不愛嗎？？？非得每張畫都這樣嗎？？？不會累覺不愛嗎？？？非得每張畫都這樣嗎？？？不會累覺不愛嗎？？？那張拉斐爾的畫，你當然可以說它是三角形構圖，它確實也是。但你看了半天看出個三角形構圖，就是會欣賞了？？？即使你看了N本美術史，已經可以運用上面研究生級的理論去分析構圖，就是會欣賞了？？？你倒是說說這畫，好看嗎？你喜歡嗎？欣賞，不就是“欣”開心地“賞”觀看嗎？-----------------------------以下為原答案-------------------------------------如何欣赏一个姑娘？能把这问题说清楚了，就不用把艺术想得那么复杂了。动不动就来句“多读几本美术史”，诸君啊，您这不是普及美术教育，完全就是一上来先把几本大砖头美术史往人头上扔，人家就吓跑了啊……你在街上见到一个姑娘，觉着挺好看，就多看了两眼：姑娘给你的第一感觉？（画面）端庄、优雅、魅惑、神秘……（风格流派）姑娘哪里长得特别好看，与众不同？眼睛，鼻子，大腿，胸部……（画面主题）表情如何？开怀大笑，微微一笑，面无表情，眉头紧锁……（画面气氛）有什么细节最打动你？指甲，小雀斑，睫毛……（画面兴趣点）体态如何？匀称，丰满，骨感，肥胖，瘦弱……（比例和构图）皮肤如何？白，黑，小麦色，光滑，粗糙……（色彩和肌理）身高如何？高挑，普通，娇小……（作品尺寸）穿什么衣服？棉麻、化纤、尼龙……（作品材质、媒介）化什么妆？淡雅，浓烈，清新，颓废……（作品视觉冲击力）好，如果是街上的女孩，到这里为止你已经把姑娘的外表认识一遍了。对于你见过的很多姑娘，有这么点印象就够了。但第二天，你发现这女孩居然是你的新同学/新同事，接下来你想要了解更多，更近一步，于是你千方百计要接近她，托朋友问，到处打听她的一切（开始了解艺术史）：多少岁了？20，30……（年代背景）出身于怎样的家庭？富裕、贫穷、温饱……（社会背景）过去有什么经历？平淡，有趣，悲惨，阴暗……（艺术家背景）有什么故事？（作品背景）世界观，人生观？乐观、悲观、积极、厌世……（作品观念）家里有什么人，兄弟姐妹？（艺术家师承关系，作品系列关系）有什么朋友？敌人？（艺术家和作品在艺术史的上下文关系）好。到这里你已经对姑娘有全面了解，和她恋爱，甚至结婚了：人格如何？刚强，柔弱，独立，依赖……（艺术家和作品在艺术史的线性关系位置，是自成一派还是流派中的一员）社会地位如何？打工的，白领，管理层，老板……（艺术家成就和作品历史地位）一晃几十年，某一天，你们在公园里散步，夕阳照着她，你忽然有点感慨：经历这么多事情，过了这么多年，姑娘还是那么好看，你还是那么喜欢她。（重新回到个人审美喜好和趣味）看姑娘是姑娘，看姑娘不是姑娘，看姑娘还是姑娘。这个道理，四海皆准也。希望各位非艺术专业的看官，千万别把这问题想太复杂。
忍无可忍，摔机怒答，只因前面胡扯的人太多。 把画分成构图、色彩、笔触来看，就如同把美女分成身高体重三围数据来看，这叫解剖，不叫欣赏。————————分割一下吧————————题主的问题是:一个外行人应该如何学习欣赏画。如果没猜错的话，题主也并没准备成为一个艺术史专家。So…………这是一个初涉画海的人，如何建立简单却相对系统的绘画艺术观的问题。 So……有些回答显然文不对题……如果只要自己喜欢就好人家用得着来这里提问吗？能看完几部艺术史还来问你吗？这样回答的人，不是圈内装B犯就是自己真的中毒太深。 ————————分割分割————————从洞穴里的岩画发展到现在，绘画已经有太多门类，欣赏的标准绝不相同。我自己从不同的可赏之处来分大概有几类：1、赏自然。包含大多数风景等，欣赏这类画只需要静下心来让眼睛跟着画面走就是了，比如莫奈的睡莲，盯着看5分钟，眼前的池塘水光就活了起来。 2、赏技巧。看过一些画之后，大多数技巧已经不能打动你，不过还是有极少数例外，比如冷军石冲的超限绘画，眼睛到离画面20厘米的距离仍然难辨真假。 3、赏情绪。八大山人和梵高的作品，也包括一些抽象画。但是有些作者只有一种情绪，画展里十来张摆在一起看很快就腻味了。 4、赏想法。体会画中流露的天马行空的想象力，如达利和玛格利特；或者其中表达的社会政治文化观点，赞赏或反对则全由你自己。 5、赏历史。有些画从技巧看并无特别，但在特定的历史中却有其特殊意义，或者在艺术史上却有其启发性，比如蒙娜丽莎和达达主义。6、赏形式。通过构图及色彩、笔墨、造型等方面的特别形成的别有趣味，如莫迪尼阿尼和吴冠中。总体来说赏画如同听不同的音乐，有的随便听听就好，有的让你赞叹膜拜，有的让你醍醐灌顶，有的就必须要一些知识背景了。但是无论哪种，一定要从公认的好画开始建立你的标准。艺术圈垃圾遮天蔽日炒作成风（尤其中国近现代艺术圈），对着徐悲鸿的画你是建立不起好标准的。手机乱写，有得罪的人还请多包涵。
说句实话吧，即使我说某幅画有一千个优点，你欣赏不了的话，还是欣赏不了的。很多答主虽然分析得很详细，但是解决不了问题。
说我自己一个经历吧。我从小开始学画，老师会介绍很多画家，我只要碰到有名家画册就会买下来。有一些画册，买回家一看，自己觉得一点都不好，就丢到一边。直到有一次高中搬家，整理的时候发现了一本傅抱石的画册，当时就觉得这个世界上怎么会有这么好看的画！为什么当初买的时候完全没有这么觉得？！那之后很多原本被我束之高阁的画册，渐渐也被我发现和欣赏。事实就是这样，在我不具备足够的欣赏力的时候，即使给我一千个理由，我还是不可能发自内心地去欣赏一件作品。
那么，欣赏力又是怎么形成的呢？不可否认，有很大一部分的欣赏能力，都是与生具来的，有人天生就拥有与众不同的欣赏力。而另外一部分，则是要依靠每个人自己的阅历。掌握更多的绘画，艺术史知识，和看更多的画展，作品都是提高的办法。
当我们发现某些画作我们没有办法欣赏的时候，最重要的是不要因为自己理解不了就对其进行批判，这样你一辈子都欣赏不了。但是也不要因此而觉得心急或是自卑。而是应该去了解作品背后的因果，作者和作品在整个艺术史的地位，进而去理解艺术发展的进程。
如果理解不了某些画作，就尽量取保留态度吧，如果是自己的能力问题，那么通过提高自己，总有一天会欣赏。如果是作品本身不好，那也没有欣的必要了。
很抱歉，必须要反对一些回答里「不需要懂美术史」的观点。如果对美术史和艺术创作不了解，那么对美术作品的理解，至多只能像美术馆里经常听到的「画得好像啊」、「有什么了不起的我也能画」那种层面。如果脱离美术发展史来讨论美术作品，特别是近代、现代美术作品，往往会无法理解一个艺术作品「好」在哪里。近代、现代的艺术，可能根本就不追求是不是很像、不追求是不是好看，甚至不追求是不是要表达什么。比如为什么「印象派」在美术史上评价那么高？是因为之前发生了两件大事，其一是照相机的发明，这直接颠覆了传统美术的观念；其二就是大量东亚，特别是日本艺术作品流入欧洲。梵高老爷子就临摹过一些浮世绘，并且不觉得《星?夜》那漩涡般的星空很像《神奈川冲浪里》的巨浪吗？再比如，为什么包豪斯在设计史上那么有地位？是因为包豪斯开创了一种全新的设计教学模式，并且包豪斯的工业设计产品追求可以大规模生产。如果不了解这些，可能对于印象派欣赏最多停留在「好像在梦里一样」，对包豪斯设计的理解停留在「好简洁啊」或者套用 Dieter Rams 「设计十诫」上。根据多年来的学习，我比较认同一个观点：如果不曾体验过创作的难处，那么会很大程度上限制对艺术、设计、创作的理解。在艺术和设计方面，人民群众往往对好的作品、产品不会有什么想法，觉得是理所当然；但是对看到、用到糟糕的东西，马上会觉得确实糟糕，虽然不知道糟糕在什么地方。举例来说，大多数书本、杂志的排版看着平淡无奇，方方正正的纸面、方方正正的文字布局、白纸黑字……不过看看有多少人在大学快毕业时，连用 Word 排版自己的简历都排不好；自己开个淘宝店装修得一塌糊涂，粗体、#FF0000 颜色的文字满天飞。在上学时，美术老师让我们模仿蒙德里安的作品来自行创作（嗯，就是「你行你上啊」），不过发现确实不是画画直线、涂方块儿那样简单。事实上，如果没有画过一大堆蹩脚的素描作品、或者没有拍摄过一些枯燥无味的照片、或者没有渲染过几张 sucks 的 CG 艺术作品，或许能感觉那些美术作品确实好，但不会觉得居然那么好，并且很难理解好在何处。所以，如果要是对于艺术史不了解，或很少做过艺术创作，那么对艺术作品的理解往往只能停留在比较浅的层面。-接下来简单说说不太了解艺术史和艺术创作的普通人如何欣赏作品。最重要的一点，是把心态放轻松些。和那些艺术家不同，我们去欣赏艺术作品，是去找乐子的。就算看不懂某个艺术作品，又如何？就像在生活里，能跟你对上眼儿的人不多吧，可那又怎么样，小区附近的那家老北京炸酱面不照样挺好吃吗？对于欣赏艺术作品来说，随缘即可，欣赏不了那也没什么大不了的。第二，如果要是居住城市附近有美术馆的话，多去跑跑。艺术作品如果仅通过美术课本里巴掌大的插图、或者用
分辨率、连 sRGB 色域都不到，且没有做过色彩校正的屏幕去观看，其表现力往往会丧失殆尽。真正站在作品前面，那表现力和冲击感完全是与小插图和 JPG 照片不可比拟的。还有，真实美术作品的笔触在平面媒体上往往表现不出来。所以，最好多去美术馆转转。例如北京的中国美术馆，虽然挺小挺破的，不过里面展出的东西都是隔一段时间换一次，每次去都有收获。要知道我是多么羡慕住在纽约的人，能去 MoMA 等大美术馆啊。欣赏艺术作品时，建议放弃凭借「好不好看」这一标准去欣赏，也不要按照一条条规则试图去套。很简单，艺术创作其实没有什么固定的规则、原则。而近两百年来的艺术作品，不少都是在挑衅、打破传统的规则。因此，最好抱着这个艺术作品「好不好」，或者「有没有意思」这种心态去欣赏。对于欣赏不来的，还是那句话，一切随缘。如果要是对艺术史有一定了解的话，看作品时，多想想为什么。比如，作者的意图／目的是什么、作者想在某些方面做出突破，类似这些。对于有艺术创作经验的人而言，比我强的人有不少，在这里就不妄言了。如果带着孩子去美术馆，不必要求太高，抱着开开眼界的想法即可。注意不要在馆内吃喝、不要大声说话叫喊，不要学我的朋友那个怪叔叔一样，对作品吐槽，比如把一个画着高楼大厦年轻女孩的作品吐槽为「《霸道总裁爱上我》的封面」一样。最后，还是那句话，一切随缘。欣赏不来、理解不能也没什么大不了的，太阳照常升起、地球照样转动，放轻松。
记得房龙在有本书里写到：当我们还是婴儿的时候，常常会拿着笔乱划，乱哼着调子，谁也不知道那些图像的意思，不知道唱的什么，但是婴儿总会很高兴地划着，唱着。这也许就是艺术的根源。那些进入博物馆的艺术品，就是除了让艺术家自己爽以外，也要让大家也爽的作品嘛。欣赏一幅画跟看一本书，读一首诗，听一首歌差不多，艺术如果可以用科学去丈量，那就失去了艺术的意义了。［感觉］永远是最好的切入点，少了感觉的艺术品，对于你而言就没有［艺术］的意义。一千个人眼里有一千个哈姆雷特，一个艺术品的欣赏角度肯定是多元的，发散的。我心中的蒙娜丽莎跟你心中的蒙娜丽莎肯定是不一样的。决定这些差异的不仅仅是艺术品，还有每个人本身，你的经历，你的心境，你的认知都决定了你在看画事的［感觉］。当你在博物馆看到某个画作特别有［感觉］的时候，那个艺术品就是对于你而言好的作品。这样的［感觉］可能是愉悦的，开心的，崇高的，也可能是恐怖的，忧郁的，怪诞的... 而所谓的构图，色彩，形体，光影，技法等等都是为了这个［感觉］去服务的。谢赫在1000多年前就讲了品画的六法：1气韵生动，2骨法用笔，3应物象形，4随类赋彩，5经营位置，6传移模写。排第一也是最重要的评价标准就是气韵生动，这个抽象的［感觉］，其后才是笔触，形体，色彩，构图，传承。虽然东西方审美差异有别，但是这些基本的品画标准还是一样的，我们人类看艺术品，永远都是因为艺术令你着迷才有了艺术的意义。纵观美术史，每个艺术家其实自始自终一直都在追求他们需要的［感觉］。而我们去看艺术品，其实很多时候就是去感受这样的［感觉］。而观赏者自身条件是不一样的，就像有的人喜欢吃甜的，有的人喜欢辣的。因此，就有人会喜欢蒙特利安，有的人喜欢达利，有的人喜欢蒙克。
我又要来吐槽了。许多答主回答的都比较专业，说的没错。但作为一名艺术系大学生，观点不敢苟同。我想问问哪些答主，你每次去看画展都是先远观构图，再走近细看笔触？分析色彩搭配是否合理？眯眼观察黑白灰关系？思考该作品的时代背景？有无深层寓意？！！！⊙﹏⊙你觉得这样看画不累吗？有意思吗？你是搞艺术的，去画展学习、吸收、借鉴去了，这些方法都没错。可一个与艺术没有太多联系的人，一个不专业的人士你让他这样去欣赏，还不如劝他，让他报个培训班学画画得了，学会你就会欣赏了。艺术是对“美”的研究。每个人都有不同的区分美丑的标准。对美丑的认识的不同，决定你与别人喜欢的东西不一样。你认为它“美”，它好看，就达到了欣赏的目的。当你看到一幅画，画面吸引住了你，你认为好看，身心愉悦，走近仔细打量画作，越看越好看，忍不住想拍下来，记住这个作者，改天在朋友闲聊时，忍不住要推荐大家去看，这就够了，这就是欣赏。你说艺术除了这个作用，还能干啥？欣赏的法则就是麦当劳广告每次放完最后出现的四个字：我就喜欢。
首先，要知道一幅画是如何成为一幅画的，虽然这个问题很难，但它是「观看」的第一步。欣赏 / 鉴赏等词虽然应用广泛，但并不严谨，同诸如文学鉴赏，音乐鉴赏等入门教程一样，内容往往很简陋。最重要的是，也许它能够获得愉悦并造成审美的假象，但遇到更特殊、更艰涩的作品时，它的弊端就暴露了出来。比如你看到一幅画，想起了某人白色袜子的味道，但不是每幅画都能让你想起。某种程度上，过于随便的审美的会产生马太效应——喜欢的更喜欢，讨厌的更讨厌——并且把喜好当做判断一件作品优秀与否的标准，更何况你随便和他人随便时面临的选择是不同的。在对待艺术作品时，「批评」
[criticism] 则更专业，只有批评史和批评理论，没有欣赏史。在这个语境下，我们是在系统的讨论，并共用一套严谨或力求严谨的术语。为什么要用这样复杂的语言来阐释请参考某人的回答：当然语言对图像的转译是如何进行并被人接受的则属于另一个话题了，在这只简单说下，如何去看一幅画。托马斯·普特法肯 [Thomas Puttfarken] 在《绘画构图的发现——年绘画中的视觉秩序理论》 [The Discovery of Pictorial Composition: Theories of Visual Order in Painting ] 中几乎隆重的为我们阐释了，我们在看一幅画的时候发生了什么。在现实世界中，我们用各种方法为自己确定方位：我们的垂直位置，我们站立的水平地面以及因此区分出的上和下。我们根据自己的位置判断左右，它在我们转动、改变方向或移动时不断变化着。我们对物体的尺寸和相互距离进行视觉判断，我们对自身周围的全部判断都是围绕我们在世界中的地点和方位意识展开的。否则我们感知到的世界将是没有中心的，无限的，并且是开放式的。这就意味着，一幅画之所以成为一幅画，不是因为画面的内容，而是「框架」和「边界」的存在。画可以是空白的，无内容的，但一定有边界。我们把绘画世界封闭起来的功能界定为方向，视作我们在现实世界中移动或运动的主观方向的客观参照系。绘画的「框架」和「边界」合围起来并赋予其方向，地平线标示出上和下，于是我们可以说出在风景中上升或是下降的线，我们可以区分左右与它的联系。框架的水平线和垂直线起到了强调画面世界中物体垂直与否的作用。无论这幅画有多写实，或多立体派，任何企图逼近现实或超越现实的行为都不能打破一个界限：我们无法同时看到图画表面和它背后蕴含的三维世界。一旦忽略了表面形式的存在进入到对形象和物体的辨认阶段，我们便投射并感觉到人物形象和物体的一定距离，但当我们消解一幅画的平滑表面的形式进入三维的视觉世界，并不意味着我们看到的图画会失去它赋予我们的「正面性」
[Frontality] ，图画世界保持它的恒定特性，一方面是形象和背景的联系，另一方面是它通过一个由封闭的边界界定的可视的平滑表面，这使它保持自身稳定的坐标系统，它的中心，以及它恒定的特性，即图画的「正面性」。关于正面性可参考论文 ：不同绘画种类有不同的形式和意图，到了抽象表现派那里，艺术家对欧洲传统绘画进行攻击，即格林伯格口中的「无边界」 [all-over] 绘画，采用的则是另一套思路。大尺寸的意义便在于让观众不去意识边界的存在，波洛克往往是画完后才将画布订上画框……画完之前，画是没有边界的。皮耶罗曾将绘画分为三个部分，并提出了一个比较正式的定义：绘画由三个主要部分组成，即所谓的「disegno」 [设计] 、「commensuratio」 [安排] 、和「 colorare」 [赋色] 。我们所说的「disegno」意指围绕对象的外形和轮廓线，我们所说的 「commensuratio」是指把外形和轮廓线恰如其分地安排在适当位置，而我们所说的「colorare」 是指色彩如何显示在物象上——随着光线的变化而使其辨明变暗。但 commensurate 的意义比此处更复杂，此词原为希腊语 symmetria 的后古典时代的拉丁译语。由于亚里士多德著作的拉丁文译本启用了此词才通用，此词也用于音乐理论，但它在十五世纪意大利语中并不是一个极为常用的词。它的意思很接近比例或比例性本身。在皮耶罗那里，它便具有了一个特殊的意义。在此之前的早些时候，人们通常认为绘画有两个部分，disegno 和colorare 。比如琴尼诺·琴尼尼 [Cennino Cennini] 的论述早皮耶罗三十或六十年，但在十五世纪的仅仅两个部分似乎会显得不合适。之后阿尔贝蒂 [Alberti] 对「轮廓」和「颜色」在整个图画中应如何安排的问题作了说明：他引进了 「compositio」 [构图] ( 拉丁文 ) 或「compositione」 [构图] ( 意大利文 ) 作为第三部分。在这三部分构成的一组中，皮耶罗的 commensurate 与之大体对应。但他们之间有一个重要区别。阿尔贝蒂把图画视为物体、物体各部分和平面的等级体系，对应句子中的分句，短句和单词的等级体系，皮耶罗的概念则源自数学解析的一个术语，他用数学模式取代了语言模式。阿尔贝蒂是透视法和比例的诠释者，皮耶罗用 commensurazione 一词所特指的便是「几何学线性透视」 [geometrical linear perspective] 但是 commensurazione 一词的含义不仅仅指用透视法把轮廓线安排在其适当的位置，还是一种画面总体安排以一般数学为基础的机敏性。为什么要解释这个词呢？确切说如果我不按皮耶罗定义的方式来观看也无妨，况且我们知道，想要进入文化的心灵深处是绝不可能的，但我们为什么要这样做呢？理由很多，比如对过往时代词汇的喜爱，比如在词源学的推论中得到的趣味，更正当的理由是：我们现在没有与之十分相仿的范畴或概念。这些词不同于其他普遍的词语，比如「左右」，「上下」，我们需要这个词，来把皮耶罗作品中的一组相关特质类集起来。另外，想要从历史的角度领悟一幅画，我们所要做的第一项工作往往是努力认识到它及其制作者的心灵与我们隔阂，即「陌生化」，在批评上使用当事者术语是从语言上宣告了我们与另一种文化思维的隔阂；只有这样，才有可能真正意识到它与我们在人性上的密切联系，我们必须把皮耶罗推到合适的位置。在这样的研究中，我们才会更深入地领悟这幅画。在这之前，面对「空间」、「图像」、「形式」、「构成」这样看似简单的词语，我们都必须意识到，它们是非常深刻且复杂的问题，而深入的理解它们会让你看到更多的东西。
杜尚说过 艺术场域的50%来自艺术作品 50%来自观众 两个加起来就是对于艺术作品的阅读 理解和阐释 所以一副作品的最后完成状态不是作者创作完毕 而是在观者的头脑里 每个人的经历 见识都不同 就像一千个读者就有一千部哈姆雷特一样 没有正确与否 这也正是艺术作品的魅力所在
所以 你自己觉得爽就行
欣赏一幅绘画作品，都是先从非专业角度去欣赏。直接跳到专业角度，界外人士不可能理解，比如色彩的协调和对比、笔触的细腻或豪放、构图的完整或险峻等，这些都属于专业领域，非专业者只有通过对专业知识的了解才能明白。作为非专业欣赏者，首先是看画面主体形象的造型美观程度，比如肖像画中的人物、静物画中的物品、风景画中的建筑等。先看这些描绘对象的绘制手法，写实、夸张、细致、豪放等，还要看所绘对象的完美程度（不是说造型多么漂亮，而是对所绘对象的结构、色调细微的变化也都观察到，并描绘出），是否能带给自己一种特殊的意境；造型的完整程度，是否让人能够理解物象的整体结构。然后看整幅作品是否能制造一种特殊的艺术气氛，让人能够产生内心的共鸣。接下来要试着了解作者的背景，理解作者在创作这幅作品时的心态，以及他营造这幅作品的各种手法，就是对于这幅作品的创作理念，比如物件的位置、色调变化、色彩的表情、笔触的表情等等。之所以提到对作者背景的了解，我们知道旅游参观某个城市，如果对这个城市的历史毫无了解，也就不能理解城市为何成为此时的模样，对城市内各种建筑的美无法欣赏。作为艺术作品也是如此，我们还需要了解作品产生的历史条件、社会状况、绘制心情等…这样可以使我们逐步认识这幅作品内在的意义，理解作者的创作思路。其实世界上所有的艺术作品，都是同样的欣赏流程，只有专业人士才会在之后做出专业方面的分析，但不要求所有的非专业者也这样做，这是不合常理的。非专业者只要从画面表现的一切开始，学着理解作者的意图，就能慢慢欣赏他们的作品了。
有朋友用三角形来解析画作，其使用斐波纳契黄金螺旋也可以的。鹦鹉螺为什么那么美？答案就是黄金螺旋我们来看看蒙娜丽莎：是不是完美的黄金螺旋？是不是完美的黄金螺旋？最后留一张精彩的照片，请大家回去自行解析黄金螺旋与美感的关系，下课
那些回答又是笔触又是构图的人，不要在这里忽悠了，真是服你们了…………是不是还需要猜测是什么牌子的画笔和颜料呀～～～欣赏一件艺术品，就是去感受它想要表达的感情，能感受到多少算多少～如果有机会可以反复看，看看自己所感受到的感情是变化了，还是更深刻了，期间可以阅读一些关于画作的背景资料，知道画家说是在什么情景和心情下创作的，更有助于理解作品。
看回答不如看书《How to Look at a Painting》
绘画艺术终究是视觉艺术，一切都以视觉感官为接纳点，在视觉接收到信息后，由于观赏者各自的视觉感受和审美的差异，同一件作品会得到不同的判定。与其问如何欣赏，不如问自己的判定模式是何种样式。那么方法就是多看画册，多了解流派，而这一目的也并不在于学习，只是检验自身的喜好。在大致了解了某种绘画形式对自己更具感召力后，你也就明白，对于只是个不会画画的观赏者来说，知道那么多有个毛用。
一看构图，二看色彩，三看光影，四看笔触
认真读完几本艺术史再去欣赏。
最直接的办法就是先自己练习画一画。然后你就会有意识地去观察那些你喜欢的作品，你就会特别去注意那些作品在处理“你想处理却处理不好”的地方是怎么表现的。慢慢的，你就知道该欣赏啥了。
理科生，无专业背景或系统学习，只能从自身感受来答。画，觉得属于主观经验可感知，主要取决于你自己的感受。很多其他主观经验可感知的也是取决于你当时的感受。一首情歌被很多人赞誉为如何经典无以复加，你是个没爱上过任何人的屁孩，如何欣赏。一部电影，描述了在现实下的种种困境和迷茫，你从来不知愁滋味，怎么体会。小说，诗歌，电影，音乐，摄影，画，有时候你不能欣赏只是人生阅历没到。作为一个理工科毕业的人，我一直不能从看画作中获得愉悦，一直觉得那些所谓懂画的人瞎扯。然后有一天，有个梵高画的软件限免，我看到了下面这几副。我一下被画抓住了，理由非常非常简单，色彩太漂亮了。我当然很早就知道梵高，很早就看过他的星空，但在这之前，梵高至于我只是一个疯了的画家，画很贵，完全没有感性上的体会，直到那一刻。之后我开始去看画展，摄影展，我几乎不做功课，不去研究流派，技法。我只是站在画前，去感受，看我能从画中体会到什么。我不能说我懂多少，但是我从观赏画中带来的愉悦感越来越多。这个其实也是我唯一在意的。希望这个答案有帮助。